北京
正文 ：
戴帆（DAI FAN），在欧美举办众多极具争议性的展览，大名鼎鼎的全球性艺术家，魅力四射的建筑师，光彩夺目的文化理论家，人称“鬼才”、“引领二十一世纪潮流的先锋偶像”，“十年来强大无比的图像和观念制造者”，激进左翼分子。
戴帆（DAI FAN）通过“LIFE X”计划探索超过人类身体的物理界限，实现人类思维、意识永生不死。通过控制论、软件、机器、生物及思维克隆技术等核心概念，向我们展现了一幅人类未来思维永生的大图景。颠覆人类社会的运行方式，将前所未有的风险带到人类社会。这是对人类社会未来将会出现的虚拟人进行的一次独创性的、深思熟虑的科学哲学实验。
以指数级速度发展的科学技术驱动着人类进化的新维度。勾勒出了人造意识将如何到来，并探索了科学与道德分支。科幻小说正快速成为现实，其影响令人叹为观止。我们处在一场生物大脑和科技技术大脑争夺人类支配权的战争之中。生物大脑目前来看处于领先地位，因为它具有更强的创新能力、更高效的资源利用能力以及更快速的自省能力。道德是否会不平衡地限制人类发展？又或者，未来它会平等地对待虚拟人？人类躯体死亡，思维是否有可能继续存在，从而实现思维不朽？超级物种人将如何颠覆人类对“我”的定义？利用尖端技术，我们能否重新构建所爱之人的记忆、行为方式以及人格特征？超级物种和其生物学原型有着怎样的区别？未来，我们该如何界定超级物种人的社会地位和法律地位？
毫无疑问，“LIFE X”计划的出现将会对传统人类社会产生深刻的哲学影响、社会影响、法律影响以及伦理影响，人类传统社会将被彻底颠覆。目前致力于通过技术实现人类永生的疯狂构想，并为这种超级物种社会进行了全方位的构建。“LIFE X”计划如果实现，人类未来将被彻底颠覆。
《一亿个外星人》（One Hundred Million Extraterrestrials）
戴帆（DAI FAN）的作品《一亿个外星人》（One Hundred Million Extraterrestrials）模糊了艺术与科技之间的界限，艺术启发着科技的灵感，科技赋予了艺术全新的可能。戴帆（DAI FAN）展现出二十一世纪的全新艺术图景，对全球当代艺术史有巨大贡献，通过他的作品对人类的生命、伦理、科技、社会、宗教产生新的视野和角度，也给思考这些人类重大议题带来了前所未有的挑战。我们对于戴帆（DAI FAN）的研究和了解，随着时间的变迁在发生变化。
世界总是充满无数的奥秘，每当我们觉得人类自己的文明飞速发展时，却总是会被一些未知的东西困扰的不知所措，《一亿个外星人》展览通过最重要的两个章节，向观众展示了戴帆（DAI FAN）作为科技研究者、发明者的角色和身份。通过大量的照片和草图，以及50多个技术模型，能够看到戴帆（DAI FAN），借此观众能感受到人类进入二十一世纪以来二十年科技发展与人文思潮的缩影。
《一亿个外星人》（One Hundred Million Extraterrestrials）·戴帆（DAI FAN）·2021
《一亿个外星人》（One Hundred Million Extraterrestrials）·戴帆（DAI FAN）·2021
以完全惊奇、无法预料和令人兴奋的方式行事，反同质化、程式化和规范化。
《一亿个外星人》（One Hundred Million Extraterrestrials）·戴帆（DAI FAN）·2021
《一亿个外星人》（One Hundred Million Extraterrestrials）·戴帆（DAI FAN）·2021
《一亿个外星人》（One Hundred Million Extraterrestrials）·戴帆（DAI FAN）·2021
《一亿个外星人》（One Hundred Million Extraterrestrials）·戴帆（DAI FAN）·2021
《一亿个外星人》（One Hundred Million Extraterrestrials）·戴帆（DAI FAN）·2021
《一亿个外星人》（One Hundred Million Extraterrestrials）·戴帆（DAI FAN）·2021
《一亿个外星人》（One Hundred Million Extraterrestrials）·戴帆（DAI FAN）·2021
《一亿个外星人》（One Hundred Million Extraterrestrials）·戴帆（DAI FAN）·2021
《一亿个外星人》（One Hundred Million Extraterrestrials）·戴帆（DAI FAN）·2021
《一亿个外星人》（One Hundred Million Extraterrestrials）·戴帆（DAI FAN）·2021
《一亿个外星人》（One Hundred Million Extraterrestrials）·戴帆（DAI FAN）·2021
《一亿个外星人》（One Hundred Million Extraterrestrials）·戴帆（DAI FAN）·2021
《一亿个外星人》（One Hundred Million Extraterrestrials）·戴帆（DAI FAN）·2021
2、常玉
与赵无极类似，常玉也是留法艺术家中的一员。不同之处在于常玉并没有走上正统的“学院派”道路，而是去了截然不同的“大茅屋画院”，接触自由的现代素描技巧训练，实验绘画等新方法。1964年，常玉受到台北教育部的邀请，将42幅画作寄回台湾，并因为过世而使这些画作遗留在了台湾，成为之后台湾艺术市场会关注并挖掘常玉市场的契机。
他是早期知名海外画家之一，亦是近代中国画坛的一个异数，因为他擅长画画，却是以顽童心理、游戏心情在作画。他画画不讲究书法、画理，而是随性所之、随兴所至，画他的好恶、画他的心情。绘画对常玉而言是一种情感的自然发泄。常玉从最熟悉的中国艺术投入另一个崭新的西洋艺术领域，以中国绘画的基础不断地摸索追求，巴黎艺术派别林立，艺术家各领风骚，终于成就常玉简练流畅的特殊绘画风格。常玉在艺术上坚持我行我素，追求精神自由，他经历大起大落，一生默默无闻、不被赏识；而今，西方公认他为世界级的绘画大家，被誉为是“中国式的莫迪利阿尼”。其作品中比较多见的是花卉题材和裸女题材，这两类题材在常玉油画作品历年的成交记录中价格较高，很多代表性作品均出自这两类题材。
3、奈良美智
奈良美智属于当代艺术中传统的学院派艺术家。日本现今著名的现代艺术家，其作品包括漫画及动画，曾在欧美日的美术馆展出，深受欢迎。笔下的招牌便是头大大的小孩、洁白驯良的狗、以及身着绵羊装的儿童，非常可爱。笔下的人物，脸上那对眼尾上吊、不怀好意的双眼其实才是他作品的特色，那种眼中流露出不友善的神情，同时又身处在寂寥、淡漠背景中的画作主角们，不禁让人由怜生爱。
奈良美智高中毕业后曾进入日本武藏野美术大学就读，在中途缀学后进入爱知县立艺术大学；之后前往德国，进入杜赛多夫艺术学院就读，并在那学习、生活了12年，使其风格渐渐走向成熟。
他是亚洲流行文化的输出口，也是伴随着日本一代卡通文化成长起来的艺术家。其标志性图像就包括头大大的小孩、洁白驯良的狗、以及身着绵羊装的儿童，这些形象又带有一种玩世不恭、叛逆却又动人的姿态，成功地引起了年轻人的共鸣，迅速风靡全球，被众多美术馆和艺术机构收藏。奈良美智的作品符合时代对潮流文化艺术的需求。他在正确的时间以低廉的价格让世界上的艺术收藏家更容易的接近。其作品类型丰富多样，包括布面绘画、纸上作品、版画、小型雕塑、装置作品、手绘陶盘、衍生设计品等。满足不同类型、不同喜好、不同需求的买家群体。
奈良美智个人作品
4、爱德华多·纳兰霍
爱德华多·纳兰霍，生于西班牙西南地区的巴达霍斯省莫内斯特里奥镇的农民家庭。纳兰霍是当代西班牙著名艺术家中最负盛名的超现实主义画家。在他的很多创作中，富有诗意般的想象和恰如其分的对梦幻的忧虑，清晰的思维和潜意识的费解等方式表现天地宇宙的想象，
爱德华多·纳兰霍，（1944－）生于西班牙西南地区的巴达霍斯省莫内斯特里奥镇的农民家庭。纳兰霍是当代西班牙著名艺术家中最负盛名的超现实主义画家。在他的很多创作中，富有诗意般的想象和恰如其分的对梦幻的忧虑，清晰的思维和潜意识的费解等方式表现天地宇宙的想象，同时又保持了超现实主义历史经验的积极因素。在他的作品里，美感无处不在，无论是油画还是 素描，无论是裸体肖像还是其他绘画，都是精益求精，十分严谨，调子丰富，柔美虚幻，给人一种迷蒙淡雅的美感。
纳兰霍的作品，从表现手法上，大致可分为两类：一类基本上运用超现实主义的创作方法，另一类用的则是错觉写实主义手段。他的超现实作品与前辈们的作品不相同，不强调潜意识的作用，注重描绘极度渴慕中出现的幻觉。纳兰霍借用过去的遗迹发思古怀旧的幽情，用想象力点化旧物，使之幻化出艺术家心中的无限思慕的情景。
Eduardo Naranjo
《向军靴致敬》
《向军靴致敬》（1979年）描绘了闲置在宁静阳光下的破旧军靴、军队神甫使用的十字架和带基督受难像的念珠，把观者带入那战争的历史和曾经的痛苦与 憎恨的回忆中去，画面具有一种时光穿梭、梦幻般的真实。
西班牙画家爱德华多作品《躺在沙滩上的裸女》
3、约翰.柯林
约翰.柯林简介 约翰.柯林（John Currin）1962年生于美国科罗拉多的博尔德，在康涅狄格州长大，曾跟随乌克兰画家莱维.麦斯伯格学习绘画，1984年毕业于匹兹堡的卡内基.梅隆大学，获美术学士，1986年毕业于耶鲁大学，获美术硕士。至今已在世界各地举办了20多次个展。
约翰.柯林（John Currin）1962年生于美国科罗拉多的博尔德，在康涅狄格州长大，曾跟随乌克兰画家莱维.麦斯伯格学习绘画，1984年毕业于匹兹堡的卡内基.梅隆大学，获美术学士，1986年毕业于耶鲁大学，获美术硕士。至今已在世界各地举办了20多次个展，影响较大的有2003年芝加哥当代艺术博物馆举办的个展，后又巡展至伦敦和纽约。如今在纽约居住和工作。
约翰.柯林 -绘画特点
柯林在绘画技法上无疑已展现出非凡的精湛技巧而且他总能不断创造出引起公众注意的艺术形象。柯林的大部分作品都给人一种沮丧感．华丽的陈设表达的是非常朴实的内涵．如果艺术家对于如何取悦诱导他的观众不那么在意，也许画面将会更朴实．柯林的一些更简单直白的肖像以其亲切、人性化的风格与其他作品明显区别开来。
约翰.柯林的绘画，一向是以古典画法表现对象的，在人物动态、构图、用色、用笔等方面，可以明显看出是受欧洲文艺复兴到古典主义时期传统绘画影响的。乍一看，甚至会被误认就是那个时代的作品，仔细观之，他的作品表现出了后现代主义画家的一系列特征，诸如对艺术史的追溯、对影像的使用等等。通过把现代的所谓艳俗的形象与古代大师的肖像画进行嫁接，使来自现代时尚杂志和新闻画报上的标准的世俗表情和做作风格，在画面人物中夸张地呈现出来，从而以特殊的讽刺性手法，表现了当代人的风貌。
4、日野之彦
日野之彦介绍 日野之彦，1976年出生于石川，日本。1999年筑波大学毕业，2001年在筑波大学完成油画硕士学位。日野之彦是日本新生代青年艺术家的代表之一，他的绘画作品在表现的内容和风格上都有着强烈的个人标志，他突破了日本绘画发展中较单一的格局。
日野之彦，1976年出生于石川，日本。1999年筑波大学毕业，2001年在筑波大学完成油画硕士学位。日野之彦是日本新生代青年艺术家的代表之一，他的绘画作品在表现的内容和风格上都有着强烈的个人标志，他突破了日本绘画发展中较单一的格局，为今天的日本艺术提供了强有力的个人视野，代表着新一代日本艺术家在艺术上的思考和探索。
作为生于上世纪70年代的一位年轻艺术家，日野之彦成长的环境是科技发达、资讯爆炸的日本现代社会。在科技和经济为主导的社会里，价值的取合被过度高估，生命个体精神和心灵的需要退居其次。
日野之彦的艺术作品，正是对应了全球化境遇中人们面对世界发展时的困顿。他以现实描述手法表现的人物和惊诧的脸部表情，打破了传统绘画的现实意境和叙述手段，强化和制造了一个虚拟的精神语境。他在绘画领域里的开拓和创造，丰富了当代绘画在观念和技术层面的意义，并在艺术审美范围内对应和折射了现代社会的视觉与心理需求。因此，作为新一代的日本艺术家，他是值得关注的。
日野之彦 -艺术风格
在日野之彦的这幅自画像中，夸张而茫然的眼神，张开的双唇，充满惊愕的表情，艺术家将自己刻画成一个不知所措的少年。黑色的眼圈透露人物对生活的精神与身体的双重疲惫。日野之彦的作品，擅长透过画中人物不安和彷徨的表情，惊恐夸张的眼神，反映出日本人在面对着科技和资讯充斥下，处于过度膨胀的社会中，产生了无比的失落感和矛盾，藉此探讨自我身份认同与当代文化，社会和人与人的关系等议题。
5、彼德.多依格
彼德.多依格简介 彼得多伊格（Peter Doig）1959年出生于苏格兰爱丁堡，1962年他与家人一起移居特立尼达和多巴哥，他的父亲在航运及贸易公司工作。1966年，他们又移居加拿大。1979年他在伦敦温布尔登艺术学院和圣马丁艺术学院学习艺术，随后又就读于切尔西艺术学院。
彼得多伊格（Peter Doig）1959年出生于苏格兰爱丁堡，1962年他与家人一起移居特立尼达和多巴哥，他的父亲在航运及贸易公司工作。1966年，他们又移居加拿大。1979年他在伦敦温布尔登艺术学院和圣马丁艺术学院学习艺术，随后又就读于切尔西艺术学院，并获得硕士学位。80年代他在蒙特利尔居住和工作。1993年他以作品blotter在John Moores展览中获得自己的第一个奖项。1994年，他被提名参与特纳奖评选。1995年至2000年他受任英国泰特美术馆评审员一职。2002年，多伊格搬回特立尼达和多巴哥，在那里他在加勒比 当代艺术中心成立了一个工作室，同时也成为德国杜塞尔多夫美术学院的教授。
彼得.多伊格 -艺术特色
多伊格的 风景画作多以 抽象形式表现他童年时期在加拿大的雪景，在1990年代的创作中不断涌现出对逝去时光的回想和寻访：白雪皑皑的森林、结冰的湖面、影影绰绰的滑雪者，不知从何而来亦不知去往何处的人影……包括《滑雪衫》(1994)、《橙色阳光》(1995-6)、《蓝山》(1996)、《白色蔓延》(1996)等，一系列图像相继产生又彼此循环，仿佛一段被延缓和停滞的时间。这些画作以空茫、斑驳的场景表达细碎的感伤，以及空虚与无常。尤其在《滑雪衫》中，数百位滑雪者散落在巨大的斜坡上，他们都化入雪中，溶解在粉色的微光里。天空倾覆，画中的一切随时都有坍塌的可能，它突然闪现出一种失望、阴沉而苍白的光辉。从他的风景画 绘画技巧中，也可以看到加拿大艺术的传统。他的作品具有层次感，并受爱德华蒙克、 莫奈、 克里姆特等 艺术家影响。他的作品多以真实照片为原型，但并不是照片写实性的 描绘。他在 当代艺术的研究方面造诣颇深。他的笔下，描绘了天空，白雪，黑夜和高速公路上的情景。这些大型绘画，展示了具体和抽象的关系，同时，他还将现代技术引入了他的作品，如加入了波普艺术音乐，摄影和录象。
【彼得.多伊格抽象油画作品：《乒乓》】
多伊格善于捕捉瞬间的宁静，在他的画作中，能进入一种人们立刻被吸引住的好几种感觉的空间，因为画面运行着我们记忆的构造、氛围、色彩，表现着我们熟悉的一个建筑的细节和一个风景的细节的意外碰撞，它们依旧能淡化在画面中，表现当今时代已经兴起的自主的探析，表现出叙事性和抽象化，让人回想起艺术史和现实中的熟悉的元素。
5、艾瑞克.费舍
艾瑞克.费舍尔简介 作为20世纪美国第6次经济衰退时期本土第一个伟大画家艾瑞克.费舍尔（Eric Fishl），受大众文化的影响，以其画作的悲喜剧似的想象、讽喻的描述，真实地反映了当时美国中产阶级的现状。尽管他使用的是传统的架上绘画技法。
作为20世纪美国第6次经济衰退时期本土第一个伟大画家艾瑞克.费舍尔（Eric Fishl），受大众文化的影响，以其画作的悲喜剧似的想象、讽喻的描述，真实地反映了当时美国中产阶级的现状。尽管他使用的是传统的架上绘画技法，但笔触的随意、色彩的流淌、明暗的强反差和画面构图颇具摄影感又似漫不经心，给人以一次性写生的感受；他的画幅较大，画意极强，颇具艺术冲击力。美国艺术史家阿纳森把他和朱利安.施纳贝尔、大卫.萨利、罗伯特.郎格和辛迪.舍曼归为“新表现主义”者，一度成为被议论得最多的美国艺术家之一。
艾瑞克.费舍尔 -艺术人生
童年的遭遇使得费舍尔从小就成为了生活的叛逆者，以“学习艺术要更简单一些”的念头，选择了凤凰城的初级学院开始学习绘画。无论费舍尔艺术生涯的起点多么平淡无奇，他却很快就在艺术方面显示出过人的才华。仅仅在初级学院逗留了一年，就进入亚利桑那州州立大学学习。在教师比尔.斯威姆的启发下，他接触到康定斯基的抽象绘画神秘主义理论。1970年他进入了加利福尼亚州的加州艺术学院，在那里，他感受到真正现代艺术的气氛，为以后艺术的道路奠定了坚强的基础。1975年迁居纽约后，费舍尔开始明确自己的创作目标——生活在郊区的美国白人中产阶级，并把这个题材一直作为他以后的艺术探索方向。
费舍尔通过描绘，反映出一个特定时期和特定阶层人性的矛盾的情感。他的作品让人们关注到美国中产阶级如何向自身的欲望妥协。他画作中的内容， 犹如把时间定格在星期天的下午，表现那些在花园中、长凳上或设备考究的房间里、富裕家庭才拥有的游艇上，诸如此类惬意的环境中自娱自乐的人，只要我们细细品味，就会发现费舍尔描绘的人物与周围的环境显得极不协调：每幅画中的男男女女和儿童都或稀疏或集中地处于无聊、孤寂的光景中，窘迫、半含尴尬、顾影自怜，或者直视或者偷窥，带着颓废的气息。他们的行为古怪、精神恍惚，好像处于另一个精神世界当中。
艾瑞克.费舍尔 -代表作品
《露天烧烤》描绘的就是一个典型的中产阶级家庭聚会的情景。画面几乎提供了所有中产阶级生活的元素。由题目可知，这个家庭正在进行露天烧烤美味。但是除了父亲以外，其他家庭成员都在进行与烧烤毫无关系的活动。在刚接触这幅作品时，我们会认为这应该是一个气氛平和的家庭聚会的情景，但画面的色彩，尤其天空的灰绿色，加上父亲的表情使某种类似不安的情绪在作品中隐约弥漫。这种效果在费舍尔的许多其他作品中也曾出现，它使观众在很短时间之内就感受到表面正常的画面中隐藏的不稳定的因素。
6、椿宗亲
椿宗亲介绍 椿宗亲 Munechika Tsubaki是一位年轻的日本画家，2006年获美之协和奖。椿宗亲的作品从不随波逐流，他一直坚守着自己的创作原则，因为他相信，生活本身是简单的，舒服的，只有表现出内心的感受才是感人的，真实的。
椿宗亲 Munechika Tsubaki是一位年轻的日本画家，2006年获“美之协和”奖。椿宗亲的作品从不随波逐流，他一直坚守着自己的创作原则，因为他相信，生活本身是简单的，舒服的，只有表现出内心的感受才是感人的，真实的。
椿宗亲1977年出生于日本北海道，自幼喜爱艺术，1995年高中毕业后，开始有关专业艺术方面的学习。艺术创作的工作让他往返于波士顿和札幌之间，东西方艺术的结合在他的作品中展现得淋漓尽致。他的作品“生命”获得“美之协和奖”。这幅以富士山为背景，山脚下有着生动的生命的作品得到了评委会所有评委的一致认可。2007年，他的作品得到了北京著名策展人的赏识，并邀请他在北京当时的艺术地标798艺术中心举办个人画展—生命。也就是从那时起，他开始了与中国的不解之缘。“中国是我一直以来的梦想国度。”他回忆到“这里有着5000年的文明和现代化的飞速发展，在中国，人们可以找到他们想要寻找的一切。”在798的个展结束后，他决定留在中国，这里给予了他创作的灵感和激情。在他近期的作品中，不难看到赋予了生命的中国建筑和元素。
正如他在北京第一个个人画展的主题一样，他的每一幅作品中都有着生命的存在。花朵，树木，人物，动物，在他的笔下精致并且栩栩如生。大多数作品都是没有题目的，人们可以发挥自己的想象力，寻找它们所要表达的感受。椿宗亲的作品从不随波逐流，他一直坚守着自己的创作原则，因为他相信，生活本身是简单的，舒服的，只有表现出内心的感受才是感人的，真实的。艺术是他的生命，同时，他也赋予了艺术纯粹的生命。
7、赵无极
赵无极是“留法三剑客”之一，留学巴黎后并长期定居于此。创作最初是以人物和风景为主的具象油画。1949年5月，赵无极在克勒兹画廊举办了巴黎的首次个人画展。他意识到西方绘画发展已达到一个必须突破的关口，于是他由保罗•克利（Paul Klee）的画得到启示，进入到抽象绘画领域，探索更多的绘画可能性，终于在中国水墨的渲染方法及空间观念中得到认识，形成自己独特的风格。自1954年起，他的绘画转入抽象，浮动于虚无的空间和变幻的色彩之中。赵无极成熟期的作品反映了由对西方抽象艺术的热衷到回归中国传统这条主线，而这种回归又不是一种简单的回归，他是有机的，是从哲学和美学的高度审视下的回归。他那酣畅淋漓的油彩下所蕴含的东方意韵令人沉醉，而其笔端也自然的流露出了几十年海外生活所理解和渗透的西方的浪漫主义色彩。那些美好的意象不时搅动人们的心弦，使涌动着地神奇变化的风云，咆啸微茫的海涛顿时融化在无尽的艺术幻想中。
赵无极被称为“西方现代抒情抽象派的代表”。其成熟期的作品反映了由对西方抽象艺术的热衷到从哲学和美学的高度审视下回归中国传统这条主线，其笔端自然流露出了几十年海外生活所理解和渗透的西方的浪漫主义色彩。在法58年的创作中，赵无极先生的作品风格独创、想像丰富，他以西方表现力极强的油画形式展现了中国的艺术传统和艺术精神；他在巴黎重新发现了中国，走出了一条独具特色的道路。法兰西学院第一位华裔院士程抱一先生曾这样评价他的艺术创作：“他开始了激动人心的长期探索，并吸取了西方艺术的伟大之处。与此同时，他也发现了东方文化之精彩。
赵无极个人作品：《1985年6月至10月》
10、朱德群
朱德群是著名海外华人艺术家之一，同时也是首个华裔终身法兰西艺术院士，与赵无极并称“留法三剑客”。1955年移居法国。翌年，朱德群在巴黎市立美术馆看到尼古拉·德·斯塔尔去世一周年回顾展，就此走入抽象艺术领域。
在现代艺术表现最自由的今日，朱德群忠实于他自己，忠实于他的种族，忠实于他所属的最古老传统的国家。他抱着克服和研究的志愿，在那里变化多端的创作，朱德群个人的境界完全决定在一个很难衡量的天秤上：一方面是那包重大压人的精神和艺术遗产，另一方面是诱惑人的国际绘画派别，这对某些人来讲，会拒绝属于因环境或区域性而分的类别，然而，所幸的是，这位画家由于他的智识避开了这些最威胁人的陷阱，并超越了中国与西方暧昧不明的地带。
他的绘画是一种自然的流露，颤动的、热烈的，他不在乎那些定理、法则、视觉上的界限，或是各种标志，他的绘画是一个抒情的奉献。朱德群的画不是一件东西而是一个实体。它在空间占据了他的领域，这就是实存，这就说明朱德群的画的自我肯定：如同一个实体将在某个领域出现一样，所显著的即在实存，从这个时候开始，观众就会掉入在他们自己眼光中一个认为是物体的陷阱里，正因为朱德群的画有如此迂回的阐述其自我的能力。因为这个显著的实存并且急迫的划定了领域，使朱德群的作品不停不断的促成，这就是他的本来面目，因此我们在冥想中的画也就找出来了沟通的答案。
朱德群完全打通了中西抽象与具象的界限。其绘画风格同时兼具东方艺术的温婉细腻与西方绘画的浓烈粗犷。早年中国书画的基础奠定了后来的抽象表达。短短数年间，超脱对具象的束缚，在画面构造出一个更广阔的抽象空间，也使朱德群的抽象自然画深含中国文化的恢宏气度。
朱德群个人作品：《雪霏霏》
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